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Suspiria: Más que un remake, una película con identidad propia

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Susie (Dakota Johnson) es una joven bailarina que se traslada a Berlín, Alemania para estudiar en la academia de una de las mejores compañías de baile. Su llegada coincide con la desaparición de una de las estudiantes, Pat (Chloë Grace Moretz). En la academia se hará amiga de Sara (Mia Goth), quien empezará a sospechar de las docentes por los misteriosos sucesos que involucran la desaparición de las estudiantes. Hasta aquí supondríamos que esta nueva Suspiria es una copia del clásico giallo de Dario Argento, pero Luca Guadagnino (quien hace un año presentaba la muy diferente Call me by your name) no quiere eso, se aleja totalmente de la película setentera para hacer su propia versión.

Para nada podríamos considerar a esta nueva Suspira un remake. Ambientada, al igual que el lanzamiento de la primera, en 1977, Guadagnino y su guionista David Kajgnaich aprovechan el contexto del otoño alemán durante ese año, cuando Alemania entra en crisis por los hechos que involucraban a la Facción del Ejercito Rojo (RAF, por sus siglas en alemán), para profundizar en los misterios y personajes. Uno de ellos es el arco del antiguo psiquiatra de Pat, el Dr. Josef Klemperer (Tilda Swinton bajo la personificación del personaje), un anciano hombre que aún vive las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial por la desaparición de su esposa Anke Meir (Jessica Harper, Susie en la original Suspiria, en un cameo).

Susie es el punto de partida, sin embargo, a diferencia de la cinta de Argento, ella no es la protagonista. En este sentido, la función del Dr. Klemper es investigar al personal docente de la escuela debido a las declaraciones de su paciente desaparecida acerca de que la Academia de Baile Markos es en realidad un coven o aquelarre de brujas. Kempler de manera escéptica cree que se trata más bien de una organización criminal o política, por lo que advierte a quien era amiga de Pat, Sara, cuya confesión y sucesos la harán investigar.

En la original Suspiria (1977), el secreto se va develando poco a poco manteniendo de esta forma el misterio “escondido”. Guadagnino y su guionista están conscientes que el impacto no iba a ser el mismo (en el caso de que hayamos visto el clásico de Argento), ya no se trata de la revelación del secreto sino de profundizar en él. La película está dividida en 6 capítulos y un epílogo, y desde los primeros sabemos que algo anda mal. El coven tiene un mayor peso en esta nueva versión: vemos la lucha de poder de las brujas, sus interacciones y su influencia con el mundo exterior.

Si bien, como mencionamos, Susie no es la protagonista, sí es la clave que une todo. El personaje se limita a ser una ambiciosa chica que se vuelve la protegida de Madame Blanc (Tilda Swinton, en el único papel sin personificación de los tres que interpreta) en una película que ya toma su propio rumbo. El estilo característico saturado de colores de Argento en Suspiria (1977) no se ve aquí reflejado hasta el demencial clímax: un sangriento y pesadillesco ritual que muestra a la Madre Suspiriorum (también Tilda Swinton) y la lucha de poder entre las brujas en su sentido más explícito, y donde Susie tendrá un rol fundamental.

La mayor parte de la película muestra colores apagados, cambiando ese ambiente onírico por una sombría y densa pesadilla que “explota” en el ya mencionado clímax. De igual manera, Guadagnino le da bastante valor a las secuencias de baile, algo que no pasaba en la cinta de Argento, con una banda sonora que opta por la melancólica música hecha por Thom Yorke, en vez del intenso rock progresivo de Goblin.

El mayor acierto de Guadagnino y compañía es justo darle una identidad propia a la película. El homenaje a Argento y Suspiria (1977) esta ahí, sin embargo, el hecho de hacer una nueva versión de un clásico en vez de revivirlo nomás porque sí, tiene mayor mérito. De estilos e intereses temáticos diferentes, las dos películas (1977 y 2018) no se piden nada la una a la otra. Cada quién tendrá su favorita y, por supuesto, eso dividirá opiniones.

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Luciérnagas, soledades varadas

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Melancolía, lenta al compás de un mar imponente, texturas verdosas y azules, luz que permea en los rostros y disfraza las emociones. Sombras, claroscuros que develan la verdadera faz, pesada cotidianidad para condenarla a lo clandestino. Silencio, quizá la incapacidad de confrontar un espacio ajeno, extraño, enrarecido. Luciérnagas (2018) de Bani Khoshnoud relata la historia de un inmigrante iraní que buscaba a ir a Europa y por error llega al puerto de Veracruz; como muchos inmigrantes el joven Ramin intentará sortear todo tipo de adversidades para sobrevivir en un país extraño. A partir de un relato intimista, con una narrativa un tanto pasmosa y una propuesta visual atractiva, Khoshnoud construye un discurso fílmico efectivo (aunque quizá sin tanta profundidad como el Gianni Amelio, Abdellatif Kechiche, entre otros) sobre exilio, migración, intolerancia y soledad. Luciérnaga es uno de esos filmes sencillos, pero no menos entrañables gracias a la construcción de sus personajes.

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LUCIÉRNAGAS (México-Estados Unidos-Grecia-República Dominicana, 2018)

Director: Bani Khoshnoudi
Elenco: Arash Marandi, Flor Edwarda Gurrola, Luis Alberti, Eligio Méndez.

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The Irishman: La despedida de Martin Scorsese del genero gangster

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La gran despedida de Martin Scorsese del genero gangster

Es dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Jesse Plemons, Harvey Keitel y Bobby Cannavale. 

Resulta que los sabios realmente pueden envejecer. Aún así, sigue siendo una realidad conmovedora para los personajes de The Irishman, y el talento que lo retrata. Compuesto por algunas de las mejores leyendas del cine  delante y detrás de la cámara, incluidos Martin Scorsese, Robert De Niro, Joe Pesci y Al Pacino

Frank Sheeran comienza The Irishman de una manera alegre. No, él nunca fue un chismoso, pero Frank es viejo, decrépito y casi olvidado cuando se lo presenta en un hermosa y clásica escena con Scorsese durante el inicio. Situado en un hogar de ancianos e ignorado en su silla de ruedas, su voz en off se convierte en diálogo mientras no habla con nadie, porque no queda nadie vivo a quien le importe. Él es la anomalía, el mafioso que llegó a la vejez con una historia 30 años después de su fecha de caducidad. 

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La historia de Frank abarca años. El principal sigue su ascenso de veterano de la Segunda Guerra Mundial y conductor de camión a un oficial de alto rango en la Hermandad Internacional de Teamsters: el sindicato de Hoffa, un hecho que el famoso líder laboral enfatiza repetidamente. Sin embargo, antes de que Frank conozca a Jimmy, él levanta de sus raíces al ser un hombre de referencia para Russell Buffalino, el jefe de un sindicato del crimen en Filadelfia y el área metropolitana de Pennsylvania. Vemos a Frank pasar de ser un ejecutor a uno que «pinta casas», un eufemismo para la violencia.

Si bien solo vemos a Frank meterse en sus propios asuntos, todavía son escenas que Scorsese ofrece incluso antes de que las desafortunadas consecuencias empiecen a pasar. Pero en esos momentos no son en lo que Frank o su película están más interesados. Más bien son un medio para congraciarse con el social irlandés-estadounidense: Jimmy Hoffa. Al igual que Russell, Hoffa le da un toque especial a Frank, convirtiéndolo en su mano derecha y luego en un teniente de Rust Belt. Juntos combaten por años, incluidas sus esposas y amantes que pasan como espectros por sus vidas, sin hacer eco. Lo mismo podría decirse de la influencia de los presidentes. Las esperanzas de la mafia y, luego, la muerte con John F. Kennedy se representan como temas importantes, todo mientras Frank no se da cuenta del creciente abismo que está construyendo entre él y sus 4 hijas.

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Es cierto que no necesita ser tan larga, incluso con el corte de la editora Thelma Schoonmaker manteniendo a flote el ritmo. Algunos tampoco apreciarán la tecnología de envejecimiento digital que Scorsese empleó en sus tres actos. En algunas de las escenas más oscuras, es menos notable.

Es un testimonio al estilo de Scorsese que la película es tan fascinante y entretenida que este problema es discutible; Una falla leve que puede ser ignorada en beneficio de tener estos actores juntos. Es la primera vez que Pacino ha estado en una película de Scorsese, pero es una reunión muy retrasada para el director. La tecnología digital permite realizar un truco extraño en el que los actores que alguna vez interpretaron a hermanos ahora tienen una relación padre-hijo.

Scorsese extrae a sabiendas no solo de su propia filmografía, sino que alude y hace referencia a muchos de los grandes éxitos de sus actores, ya sea la temporada de Pacino en The Godfather. Él conoce el efecto que los tres actores han tenido en cómo percibimos el cine. Sin embargo, no hay nada de celebración. Pesci interpreta el papel demasiado increíble. Mientras tanto, Pacino da su mejor actuación en la pantalla en más de una década y De Niro es inolvidable como Frank, que de seguro tendrá una nominación al Oscar.

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También hay un humor inyectado durante los 202 minutos de duración, se siente como el humor que inyecta para nivelar el drama y la violencia. Ya que es una película que no contiene tanta violencia, pero es necesaria para contar una historia a través del típico humor que maneja el director.

Si bien el lenguaje es mucho menos combativo que las películas anteriores de Scorsese, el escritor encuentra una tragedia en el guión. Escuchar a un hombre en este mundo decirle a otro que está «un poco preocupado» es una alarma; escuchar una vez más decir «es lo que es» también podría venir con una bala junto con la amenaza de muerte. También hay varias escenas de Pesci o De Niro amenazando a comerciantes con una sonrisa y un cumplido, como si fueran un presidente corrupto.

En conclusión, The Irishman es una carta de amor y despedida de Scorsese del genero gangster que será un memorable recuerdo y además una gran clase de actuación y dirección.

Calificación: 10/10

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