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Entrevistas Cine

Hugo Gélin, un amor a segunda vista.

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Como cada año el Tour de Cine Francés nos trae un deleite de cintas con diferentes temáticas y géneros, que pocas veces tendrían oportunidad de llegar a nuestro país.

Sin duda la comedia romántica ha sido uno de los favoritos, solo cabe mirar a las películas que son producidas en nuestro país, las cuales son un éxito en taquilla. Si bien la formula puede ser muy clara, una pareja que después de varias situaciones y problemas vence todo y terminan juntas por que el amor siempre gana; es fresco ver algo diferente dentro del trama, más a lado de buenas locaciones y actuaciones que hacen que la cinta se vuelva un clásico al momento como es el caso de ¨Amor a segunda vista¨.

El filme nos hablas de Raphaël un escritor famoso que se encuentra casado con Olivia, una pianista prodigio que deja a un lado su carrera por apoyar a su pareja, al paso de los años lo que parecía un cuento de hadas empieza a perder su magia, después de una pelea muy fuerte entre ellos él despierta en un mundo paralelo donde nunca la conoció. Al ver que su vida no es lo que pensaba sin ella la buscara para poder reconquistarla, pero como reconquistar a una persona que tiene una vida, será la misma que recuerda o será el fantasma de su recuerdo.

Yourocket Amor A Segunda Vista Cine

El director esta agradecido de que su película se encuentre dentro de uno de los mayores ciclos de cine en el mundo y que pueda ser disfrutada en América Latina, ayudando a reflejar su visión de un Francia moderno, que no solo son edificios viejos, que hay muchos escenarios de los cuales te puedes enamorar.

Una de sus mayores inspiraciones es la relación que lleva con su esposa, que es bueno reflejar su visión y sus miedos al que pasaría si nunca la hubiera conocido, que hay pocas películas que incluyan más que una relación y atracción una hermosa amistad entre los personajes; química perfectamente lograda entre los personajes.

Hugo

Aunque la historia plantea algo nuevo dentro del género, no tiene la intención de ser comparada con otras, sino que desea respetar y que la gente la pueda disfrutar. Además, que su personaje, aunque vive en una burbuja que no ve la luz, es una advertencia para que la gente no pierda de vista las personas que lo rodean a lo largo de los años ya que el amor no conoce de tiempo y espacio.

¨Se necesita hacer películas para el publico y no para los críticos; le gusta hacer películas que a él le gustaría ir a ver al cine¨

Gelin indica que no esta muy familiarizado con las cintas de comedia romántica mexicanas, que es gracioso ya que su trabajado anterior es la adaptación francesa de No se aceptan devoluciones (Película mexicana protagonizada, co-escrita y dirigida por Eugenio Derbez en el 2013), la cual no había visto hasta después de terminar su adaptación y es agradable ver la referencias que hace cada uno a sus país.

Amor A 2

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Plática con Diego Cohen, director de La Marca del Diablo.

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Diego

Este viernes se estrenó en cines La Marca del Demonio, la propuesta más reciente del cineasta mexicano Diego Cohen, quien se ha caracterizado por llevar a nuestras pantallas cintas de terror alejadas de lo sobre natural, enfocadas en los problemas cotidianos del día a día, en YouRocket tuvimos la oportunidad de platicar con el, sobre su nueva cinta, los recursos, su admiración por Guillermo del Toro y más…

¿Cuál ha sido tu evolución como cineasta desde tu inicio hasta esta última película?

He tenido un aprendizaje distinto en cada una de mis películas, en especial a lo que se refiere al lenguaje cinematográfico, cada película se dio bajo circunstancias muy específicas, desde la cantidad de presupuesto que he tenido, la forma en que se produjo, la producción totalmente independiente y más, todo esto me llevó a una maduración en aprendizaje cinematográfico y actualmente sigo aprendiendo, La marca del demonio justo es la película que conjuga todo lo que he aprendido, acabo de filmar una película en República Dominicana y aquí mejore mi lenguaje cinematográfico, uniendo todo lo que sé para formar una película e ir mejorando en cada nueva entrega.

Específicamente en la marca del demonio ¿Cuál fue tu aprendizaje?

Aquí por primera vez en mi vida tuve la posibilidad de trabajar con un presupuesto mucho más holgado en comparación a mis otras cintas, un cast increíble particularmente liderado por un gran actor como lo es Eduardo Noriega y también tuve la oportunidad de modificar el guion a mis intereses particulares, alejándome un poco del mundo tradicional de posesiones y exorcismos que generalmente se establece dentro del mundo católico que es la tradición que tiene este cine de género y así poder llevarlo a un lado lovecraftniano, que es para mí mucho más interesante y rico de lo que es la tradición religiosa. He buscado alejarnos de esos mundos a los que estamos acostumbrados en el cine de terror y poder plantearlo desde otras perspectiva abordando esta otra nueva realidad.

Mencionas que este ha sido el mayor presupuesto con el que has trabajado ¿De cuánto fue tu presupuesto y como obtuviste el financiamiento?

El presupuesto fue de 16 millones de pesos aproximadamente, otorgado en parte por EFICINE y tuvimos un socio que fue Corazón Films que hicieron una aportación como coproductores y además apoyaron con la distribución, esa fue la consolidación del presupuesto y por primera vez pude trabajar con una cantidad grande y tener 5 semanas de rodaje, además de que hubo muchas personas que se asociaron al proyecto, por ejemplo Eduardo Noriega es también coproductor, La Posta que es la casa de efectos y así de forma estratégica pudimos levantar este proyecto.

Una de tus características es que casi toda tu filmografía es del género de terror ¿Por qué dedicarte en especial a este género?

Todo inicia en mi infancia y el gusto que siempre tuve por el terror como espectador y como lector, desde muy chico me sentí atraído por el miedo como emoción y una vez que crecí debuté como director en un dramedy, pero siempre me intereso la posibilidad de abordar temas complejos a través de este género, como lo dice Guillermo del Toro “la fantasía nos abre un panorama de oportunidades para hablar de temas complejos”. Este tipo de cine es una posibilidad de tocar ciertos temas haciéndolo más accesible al público a partir de la emoción más fuerte que existe,  el miedo, que es el mayor motivante que tenemos como especie por supervivencia y al mismo tiempo es una emoción que tiene un derroche de energía y adrenalina que nos lleva a disfrutarlo mucho cuando lo vemos en la pantalla grande. Es toda esa combinación de elementos la que me lleva a elegirlo a la hora de hacer historias, quiero seguir experimentando otros subgéneros dentro del mismo, siendo el thriller mi punto de partida y experimentar combinándolo con drama o ciencia ficción, que son algunos que me faltan explorar.

Y ha todo esto ¿A qué le tiene miedo Diego Cohen?

(Comienza a reír) En verdad le tengo miedo a muchos cosas, pero creo que mi mayor miedo es la frustración, la imposibilidad de hacer lo que quiero hacer, quedarme estático, pero ya hablando de cosas más terrenales, me da mucho miedo la policía, en México me da miedo la policía, tengo una ventaja en cuanto al mundo que rodea en general la idea del terror como lo es el ámbito paranormal, esa ventaja es que yo tengo un pensamiento meramente científico y eso me da la oportunidad de jugar con estas mitologías, tener esa libertad que tal vez un creyente no va a tener, tengo esa ventaja y por lo tanto no me asustan esas cosas, me gusta abordar los temas de terror más por un lado social, ya que vivimos en un país en que nos da miedo salir, la inseguridad y al estado mismo.

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Otra característica en tu filmografía es que los guiones de las cintas que diriges no son tuyos ¿Por qué elegir estos guiones ya escritos o bien tienes planes de escribir un guion personal?

A pesar de que en dos películas mías dice el nombre de otra persona, yo escribí esos guiones, los reescribí a partir de algo que ya existía y en realidad es un trabajo de readaptación que yo creo que tenemos que hacer todos los directores, por que originalmente solo hay un autor de la obra cinematográfica que es el director, a pesar de que no tengo esos créditos por que es algo que no importa, siempre he adaptado los guiones adecuándolos a mi ideología, idiosincrasia y demás, yo hago esas aportaciones personales de manera autoral y libre en base a los acuerdos que se tienen con los escritores convirtiendo los textos en míos.

¿Trabajas con asesoría del autor original?

Nunca he trabajado con el escritor de cerca, yo adquiero la obra y la reescribo sin consultar a nadie, todo lo transmuto. Esta última película que hice en República Dominicana fue igual, trabajé con un guion ya escrito e hice algo totalmente diferente a lo que ya estaba, hago mi adaptación, por eso considero que los guiones en realidad son míos, yo los reinterpreto y modifico por que no me gusta trabajar con las ideas ajenas o expresar las ideas de alguien más.

¿Por qué no te gusta trabajar con el material original?

El cine es una obra de arte, un medio de comunicación, eses es mi objetivo como cineasta, expresar mis ideas personales y no las de alguien más, esa es mi razón de ser.

¿Cuál es la diferencia entre la marca del demonio y tus demás films?

Aquí aprendí a usar los recursos, eso me abre un nuevo panorama como cineasta, tener tiempo para filmar, contar con más locaciones, el cast, el crew, nunca había tenido uno tan completo. Lo que más diferencio a La Marca de otras de mis producciones fueron las posibilidades de mejorar y valorar el tiempo que se tiene.

Platícame de la banda sonora de tu film, es muy diferente a lo que se escucha en una película tradicional.

Tuve la oportunidad de trabajar por primera vez con un compositor extranjero, la construcción del score fue muy interesante porque encontré por internet a un músico especializado en hacer composiciones  para los libros de Lovecraft, música orquestada y demás como se escucha en la película, eso fue una posibilidad que no había tenido antes, contactar con este músico irlandés que se llama Graham Plowman. Fue maravilloso buscar a la persona más adecuada para realizar el proyecto.

Tocar temas complejos como lo son las cosas lovecraftnianas, siempre generan problemas o retos ¿Generó algo de esto en ti?

En realidad no fueron problemas. Me significó un reto por la complejidad y extensión de la literatura y los mundos construidos por Lovecarft. Por un lado traté de simplificarlos, no me dedicó mucho en la película a explicarlos, ese no es el sentido de ella, no había que hacerlo, solo convivir con ellos. El gran trabajo de la película es ese, simplificarlo, aunque detrás hay toda una construcción para contarlo de esa manera, hay una construcción extensa de la mitología pero traídos a un mundo que todos podemos entender,  el reto fue poderme mover dentro de esta mitología y contarlo para que fuera entendido. Lovecraft es muy complejo y yo solo toqué la puntita, fue muy rica en ese sentido, tocar estos mundos poco explorados.

Dices tener un cast increíble y se ha notado el nivel actoral de este elenco al de algunos otros en tus cintas pasadas ¿Cuál es tu opinión respecto a este nuevo cast?

Empezando por quien corona la cereza del pastel, Eduardo Noriega, fue una aportación directa de Mónica Gorbea, ella fue la que le mandó el proyecto y lo trajo. Trabajar con un actor de esa talla y experiencia, quien de entrada empezó su carrera con Amenábar haciendo dos películas sumamente importantes no solo para el cine español si no para el mundo, después con Guillermo del Toro que eso para mi en particular ya tiene un significado muy grande, el poder haber compartido este encuentro en común con Guillermo del Toro, a quien no tengo el gusto de conocer, pero obviamente moriría por esa oportunidad y me encantaría que pudiera ver la película. Pero regresando con Eduardo, trabajar con el fue una experiencia increíblemente enriquecedora, un actor con un profesionalismo, una disciplina y una entrega absoluta, es muy refrescante trabajar con un actor de ese nivel, que tiene esa experiencia, tanta entrega, disposición y pasión por lo que hace, simplemente fue maravilloso. Después vienen varios descubrimientos, como el de Eivaut Rischen que en realidad yo no lo conocía, se presentó a un casting, él inició su carrera a partir de Run Coyote Run, elegirlo fue muy conveniente por que el personaje tenía este peculiar pasado, tenía que hablar alemán, además el actor es holandés y habla alemán bajo un poco, pero esta muy familiarizado con la historia, la química que tuvo con Eduardo se refleja mucho en la pantalla, trabajaron como padre e hijo. Luego Arantza Ruiz, ya había tenido la oportunidad de trabajar con ella en dos ocasiones, una como director y otra como productor, es un talento innegable, una persona que no puede parar, ya teníamos experiencia previa y confianza ya desarrollada, eso nos facilita mucho las cosas. Otro descubrimiento fue Nicolasa Ortíz Monasterio, quien está en los inicios de su carrera, solo traía Sueños en otro idioma donde actúa espectacular, ella fue una sorpresa, un aire fresco tremendo y la química con Arantza mostraba la empatía real entre hermanas, fue un gran acierto escogerlas a ellas dos juntas. Después tenemos a Lumi Cavazos y Omar Fierro, quienes ya son unas leyendas, dos personas que han estado en el cine mucho tiempo y es increíble trabajar con gente que lo sabe todo. Recuerdo que cuando era niño vi a Lumi trabajar en Como agua para chocolate y quede maravillado, trabajar con ella 20 años después es muy gratificante. Esos son algunos de mis actores, en esta cinta pude tener muchos más gracias a los recursos.

¿Por qué recomendarías ver la Marca del demonio al público?

La marca del demonio es una película sumamente entretenida e interesante porque esta contada desde un punto de vista distinto y aborda una mitología a la que no estamos acostumbrados, tiene actuaciones espectaculares y situaciones divertidas para el espectador en relación al miedo, hay una exploración del susto y generación del miedo y tensión, es una película hecha con corazón.

Acabas de filmar una película en República Dominicana ¿Puedes contarnos algo de ella y tus planes a futuro?

Me contactaron de 11 a 11 los hermanos Carmona y me invitaron a hacer esta película en República Dominicana, la historia que al final yo escribí es de vampiros. En ella una familia viaja a este país por dos motivos, uno encontrarse con el abuelo materno, el otro es que el niño con este viaje recupere confianza para enfrentar sus miedos, ya que es de familia adinerada e hijo único, un adolescente que sufre bullyng de manera extrema en la escuela. Llegan a una casa en donde se enteran que hay una niña vampiro que los acecha y a grandes rasgos esa es la historia del film. Tiene una construcción sumamente compleja dentro de los temas, es una película que filme en 3 semanas con presupuesto local totalmente dominicano, traje dos actores mexicanos, tiene un drama muy intenso y una carga emocional muy importante. Es una cinta de vampiros y terror protagonizada por Matías del Castillo, quien es un niño actor que a participado en varias películas, ha trabajado con Rigoberto en Kilómetro 2, Diablero, entre otras. Sus padres son interpretados por Rigoberto Guzmán y Sofia Verdejo. En cuanto al abuelo materno, es un actor dominicano, quien en realidad no es actor pero si una figura importante y relevante en su cultura, se llama Freddy Ginebra. La pequeña vampiro es una niña dominicana quien aquí tiene  su primer papel, se llama María José y este es su debut. Espero tenerla terminada para estrenarse en el  festival de Toronto, esas son mis expectativas.

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FICM 2019: Amor y metal, platicamos con Sebastián Padilla sobre Muerte al Verano

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“Muerte al verano” forma parte de la Selección Oficial del Festival de Cine de Morelia 2019, con una historia de amor poco convencional para lo que estamos acostumbrados a ver en la pantalla grande, pues la ópera prima de Sebastián Padilla Padilla se centra en la historia de Dante (Yojath Okamoto) y su complicada historia de amor con Lucy (Ana Valeria Becerril), la novia de su hermano que en esos momentos se encuentra en estado de coma.

A la par en la que se va desarrollando su complicado amorío, Dante tiene que lidiar con los complicados ensayos de su banda de death metal tras quedarse sin su vocalista. Toda esta historia desarrollada en medio de un Monterrey lleno de fábricas, patinetas y cadáveres, violencia con la que los adolescentes de hoy en día ya están acostumbrados a lidiar.

En YouRocket tuvimos la oportunidad   de platicar con el director Sebastián Padilla-Padilla, quien también es reconocido por ser el diseñador gráfico más publicado en el país, fundador de ANAGRAMA, uno de los estudios de diseño más influyentes en el mundo, fue ganador en 2012 del AdWeek Top 10 Design Stars. En el 2013 fue galardonado con el Premio Quorum y el AdWeek Talent 100. Además, fue ganador del Premio Architizer en el 2014.

Sebastián Padilla Padilla (Director)

 

Primero que nada, me gustaría que nos cuentes de qué trata “Muerte al verano”

Es una película de amor adolescente, de un primer amor en un contexto industrial, difícil y complicado. Es una película que tiene mucha música, pues es de una banda de adolescentes que tocan. También es una historia de amor en medio de una guerra que aparece pero no aparece al mismo tiempo, en un contexto desolador.

Pero también es una historia divertida, de amor, de amigos que comienza cuando la novia del hermano mayor está visitando la casa y, por razones ajenas a la voluntad de ellos, terminan pasando tiempo juntos y se comienza a complicar la relación llegando a un amor prohibido. Básicamente eso es de lo que va la película.

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“Muerte al verano” dista mucho de ser una película con un final feliz, el personaje principal dice que no es una historia feliz pero eso es parte de la vida…

Bueno, particularmente el final decidimos hacerlo de esta manera porque creemos que así son las historias, o sea nadie nunca acaba –o bueno, nadie que yo conozca­– acaba con el primer amor, el primer amor siempre es una cosa muy hermosa pero efímera que se acaba instantáneamente casi cuando empieza.   Me interesaba hacer una película que hiciera homenaje a eso, al primer amor que todos hemos tenido, el que se fue y que dolió cuando lo perdimos.

¿Qué tanto te identificas tú con los personas o qué tanta de tu experiencia personal se ve reflejada en “Muerte al verano”?

Yo diría que todos los personajes son una parte de mí de alguna manera, de deseos o de miedos, es muy difícil separarse de la creación porque al final la única vida que he vivido yo es ésta que he tenido, entonces todo lo que me acuerdo, todas las cosas a las que puedo recurrir  son experiencias y vivencias que he tenido, todo eso va de mi lado. Del lado del guionista que es Alexandro Aldrete, es un poco la misma historia, son sus vivencias y estás impregnadas en el guion. Pero sí, muchas de las cosas que pasaron en la película me pasaron en la vida.

¿De qué manera colaboraste con la realización del guion?

El guion fue muy colaborativo, la historia se trabajó como en taller, juntos y el resto del guion también se trabajó muy de la mano. Es una historia muy personal y tiene muchas notas, es como una caricatura de lo que pudo haber sido la adolescencia tanto de Alex como mía.

¿Cuáles fueron los obstáculos que se te presentaron durante la realización de tu ópera prima?

Ya hasta perdí la cuenta de cuánto tiempo llevo todo el proyecto, pero ponle 6 años o 7, no me acuerdo bien porque fue mutando mucho y el mayor reto fue ese que yo no había hecho cine, entonces fue agarrar una cámara por vez primera y entender cómo se hace una producción porque no tenía idea y creo que por eso fue muy propedéutico la producción, pero los productores fueron sumamente pacientes conmigo y fue un proceso largo de mucho aprendizaje, terminé sabiendo cómo se hace una película y con la suerte de entrar a un festival, pero antes de eso no tenía idea de absolutamente nada, fue un reto mayúsculo. Pero la gente con la que me he encontrado ha sido generosa y he recibido el apoyo de diferentes instancias de gobierno e incluso de la Universidad de Monterrey también tengo algo de apoyo.

¿Qué rescatas de esta experiencia ahora haciendo cine?

Que es maravilloso. A mí me gusta hacer muchas cosas diferentes, me gusta hacer música, me gusta dibujar, me gusta escribir y el cine lo tiene todo, diseño, música; y en todos los departamentos afortunadamente me dejaron trabajar con mucha paz. Por ejemplo, en la parte de la música de la película: toda la música está compuesta por Carlo Ayhilón y por mí, eso es algo que me encantó.

Para mí lo mejor de hacer cine es que estoy haciendo todas las disciplinas que me apasiona hacer.

 

Justamente quería adentrarme al tema de la selección musical en “Muerte al verano”. Escuchamos música original, metal, pasando por música de Timbiriche y Jenette, ¿Por qué elegir música tan variada?

No quería hacer una película para un género, el lugar común para ir era hacer una selección totalmente inspirada en eso y yo sentía que le iba a dar mayor impacto a la canción de metal propiamente si contrastaba todo lo demás. Eso fue por un lado la decisión de que no tuviera más que esa parte como brutal y todo lo demás más suave.

Otra cosa fue que la paleta sonora en general de la música original está inspirada en sintetizadores análogos y en sonidos atmosféricos. Sentía que contrastaba muy bien con la imagen gris y brutal de la ciudad con sonidos un poco más suaves, y también hay un sentimiento de tecnología en ese tipo de sonidos que me parecía que ponía a la película como en una especia de syfy.

Las canciones que rescatamos o conseguimos poner en la película son canciones o que resuenan para mí mucho o que resuenan mucho para la escena y con lo que se quiere expresar emocionalmente. Al final es una película emocional y esa es la guía principal.

 

La escena musical de Monterrey está marcada por el rock, ¿por qué elegir el metal?

Porque a mí lo que más me marcó en la vida es el metal. Mi  adolescencia fue  death metal, es la realidad. No intenté hacer una biografía del movimiento del rock en Monterrey. De hecho anecdóticamente algo triste es que ese movimiento en Monterrey se vio muy mermado y destruido por  la violencia, entonces en mi adolescencia existían esas bandas, pero después ya no había, cerraron todos los antros, no había lugares ni donde tocar, no había nada qué hacer y eso fue parte de Monterrey y el rock murió.   Para mí eso era el rock de Monterrey, estar con mis amigos tocando encerrados   sin tener nada qué hacer.

Es más bien como un tributo a la adolescencia de mis amigos y mía.

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Ahora mismo estás presentando tu película en le Festival Internacional de Cine de Morelia, ¿cómo te sientes de estar presentado tu ópera prima en esta renombrado festival?

Es una cosa que no acabo de entender, me parece una súper oportunidad. Imagínate, no sabía hacer una película hace dos años atrás y ahora estoy en  el Festival de Morelia, es un gran privilegio y no tengo más que palabras de agradecimiento para todos.

 

¿Estás trabajando en algún otro proyecto? ¿En dónde te podemos encontrar?

Tengo varios proyectos, nunca me quedó quieto. El estudio de diseño sigue, se llama Anagrama y está la cuenta en redes sociales.

 

 

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