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FICM 2019: Amor y metal, platicamos con Sebastián Padilla sobre Muerte al Verano

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“Muerte al verano” forma parte de la Selección Oficial del Festival de Cine de Morelia 2019, con una historia de amor poco convencional para lo que estamos acostumbrados a ver en la pantalla grande, pues la ópera prima de Sebastián Padilla Padilla se centra en la historia de Dante (Yojath Okamoto) y su complicada historia de amor con Lucy (Ana Valeria Becerril), la novia de su hermano que en esos momentos se encuentra en estado de coma.

A la par en la que se va desarrollando su complicado amorío, Dante tiene que lidiar con los complicados ensayos de su banda de death metal tras quedarse sin su vocalista. Toda esta historia desarrollada en medio de un Monterrey lleno de fábricas, patinetas y cadáveres, violencia con la que los adolescentes de hoy en día ya están acostumbrados a lidiar.

En YouRocket tuvimos la oportunidad   de platicar con el director Sebastián Padilla-Padilla, quien también es reconocido por ser el diseñador gráfico más publicado en el país, fundador de ANAGRAMA, uno de los estudios de diseño más influyentes en el mundo, fue ganador en 2012 del AdWeek Top 10 Design Stars. En el 2013 fue galardonado con el Premio Quorum y el AdWeek Talent 100. Además, fue ganador del Premio Architizer en el 2014.

Sebastián Padilla Padilla (Director)

 

Primero que nada, me gustaría que nos cuentes de qué trata “Muerte al verano”

Es una película de amor adolescente, de un primer amor en un contexto industrial, difícil y complicado. Es una película que tiene mucha música, pues es de una banda de adolescentes que tocan. También es una historia de amor en medio de una guerra que aparece pero no aparece al mismo tiempo, en un contexto desolador.

Pero también es una historia divertida, de amor, de amigos que comienza cuando la novia del hermano mayor está visitando la casa y, por razones ajenas a la voluntad de ellos, terminan pasando tiempo juntos y se comienza a complicar la relación llegando a un amor prohibido. Básicamente eso es de lo que va la película.

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“Muerte al verano” dista mucho de ser una película con un final feliz, el personaje principal dice que no es una historia feliz pero eso es parte de la vida…

Bueno, particularmente el final decidimos hacerlo de esta manera porque creemos que así son las historias, o sea nadie nunca acaba –o bueno, nadie que yo conozca­– acaba con el primer amor, el primer amor siempre es una cosa muy hermosa pero efímera que se acaba instantáneamente casi cuando empieza.   Me interesaba hacer una película que hiciera homenaje a eso, al primer amor que todos hemos tenido, el que se fue y que dolió cuando lo perdimos.

¿Qué tanto te identificas tú con los personas o qué tanta de tu experiencia personal se ve reflejada en “Muerte al verano”?

Yo diría que todos los personajes son una parte de mí de alguna manera, de deseos o de miedos, es muy difícil separarse de la creación porque al final la única vida que he vivido yo es ésta que he tenido, entonces todo lo que me acuerdo, todas las cosas a las que puedo recurrir  son experiencias y vivencias que he tenido, todo eso va de mi lado. Del lado del guionista que es Alexandro Aldrete, es un poco la misma historia, son sus vivencias y estás impregnadas en el guion. Pero sí, muchas de las cosas que pasaron en la película me pasaron en la vida.

¿De qué manera colaboraste con la realización del guion?

El guion fue muy colaborativo, la historia se trabajó como en taller, juntos y el resto del guion también se trabajó muy de la mano. Es una historia muy personal y tiene muchas notas, es como una caricatura de lo que pudo haber sido la adolescencia tanto de Alex como mía.

¿Cuáles fueron los obstáculos que se te presentaron durante la realización de tu ópera prima?

Ya hasta perdí la cuenta de cuánto tiempo llevo todo el proyecto, pero ponle 6 años o 7, no me acuerdo bien porque fue mutando mucho y el mayor reto fue ese que yo no había hecho cine, entonces fue agarrar una cámara por vez primera y entender cómo se hace una producción porque no tenía idea y creo que por eso fue muy propedéutico la producción, pero los productores fueron sumamente pacientes conmigo y fue un proceso largo de mucho aprendizaje, terminé sabiendo cómo se hace una película y con la suerte de entrar a un festival, pero antes de eso no tenía idea de absolutamente nada, fue un reto mayúsculo. Pero la gente con la que me he encontrado ha sido generosa y he recibido el apoyo de diferentes instancias de gobierno e incluso de la Universidad de Monterrey también tengo algo de apoyo.

¿Qué rescatas de esta experiencia ahora haciendo cine?

Que es maravilloso. A mí me gusta hacer muchas cosas diferentes, me gusta hacer música, me gusta dibujar, me gusta escribir y el cine lo tiene todo, diseño, música; y en todos los departamentos afortunadamente me dejaron trabajar con mucha paz. Por ejemplo, en la parte de la música de la película: toda la música está compuesta por Carlo Ayhilón y por mí, eso es algo que me encantó.

Para mí lo mejor de hacer cine es que estoy haciendo todas las disciplinas que me apasiona hacer.

 

Justamente quería adentrarme al tema de la selección musical en “Muerte al verano”. Escuchamos música original, metal, pasando por música de Timbiriche y Jenette, ¿Por qué elegir música tan variada?

No quería hacer una película para un género, el lugar común para ir era hacer una selección totalmente inspirada en eso y yo sentía que le iba a dar mayor impacto a la canción de metal propiamente si contrastaba todo lo demás. Eso fue por un lado la decisión de que no tuviera más que esa parte como brutal y todo lo demás más suave.

Otra cosa fue que la paleta sonora en general de la música original está inspirada en sintetizadores análogos y en sonidos atmosféricos. Sentía que contrastaba muy bien con la imagen gris y brutal de la ciudad con sonidos un poco más suaves, y también hay un sentimiento de tecnología en ese tipo de sonidos que me parecía que ponía a la película como en una especia de syfy.

Las canciones que rescatamos o conseguimos poner en la película son canciones o que resuenan para mí mucho o que resuenan mucho para la escena y con lo que se quiere expresar emocionalmente. Al final es una película emocional y esa es la guía principal.

 

La escena musical de Monterrey está marcada por el rock, ¿por qué elegir el metal?

Porque a mí lo que más me marcó en la vida es el metal. Mi  adolescencia fue  death metal, es la realidad. No intenté hacer una biografía del movimiento del rock en Monterrey. De hecho anecdóticamente algo triste es que ese movimiento en Monterrey se vio muy mermado y destruido por  la violencia, entonces en mi adolescencia existían esas bandas, pero después ya no había, cerraron todos los antros, no había lugares ni donde tocar, no había nada qué hacer y eso fue parte de Monterrey y el rock murió.   Para mí eso era el rock de Monterrey, estar con mis amigos tocando encerrados   sin tener nada qué hacer.

Es más bien como un tributo a la adolescencia de mis amigos y mía.

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Ahora mismo estás presentando tu película en le Festival Internacional de Cine de Morelia, ¿cómo te sientes de estar presentado tu ópera prima en esta renombrado festival?

Es una cosa que no acabo de entender, me parece una súper oportunidad. Imagínate, no sabía hacer una película hace dos años atrás y ahora estoy en  el Festival de Morelia, es un gran privilegio y no tengo más que palabras de agradecimiento para todos.

 

¿Estás trabajando en algún otro proyecto? ¿En dónde te podemos encontrar?

Tengo varios proyectos, nunca me quedó quieto. El estudio de diseño sigue, se llama Anagrama y está la cuenta en redes sociales.

 

 

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Plática con Diego Cohen, director de La Marca del Diablo.

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Diego

Este viernes se estrenó en cines La Marca del Demonio, la propuesta más reciente del cineasta mexicano Diego Cohen, quien se ha caracterizado por llevar a nuestras pantallas cintas de terror alejadas de lo sobre natural, enfocadas en los problemas cotidianos del día a día, en YouRocket tuvimos la oportunidad de platicar con el, sobre su nueva cinta, los recursos, su admiración por Guillermo del Toro y más…

¿Cuál ha sido tu evolución como cineasta desde tu inicio hasta esta última película?

He tenido un aprendizaje distinto en cada una de mis películas, en especial a lo que se refiere al lenguaje cinematográfico, cada película se dio bajo circunstancias muy específicas, desde la cantidad de presupuesto que he tenido, la forma en que se produjo, la producción totalmente independiente y más, todo esto me llevó a una maduración en aprendizaje cinematográfico y actualmente sigo aprendiendo, La marca del demonio justo es la película que conjuga todo lo que he aprendido, acabo de filmar una película en República Dominicana y aquí mejore mi lenguaje cinematográfico, uniendo todo lo que sé para formar una película e ir mejorando en cada nueva entrega.

Específicamente en la marca del demonio ¿Cuál fue tu aprendizaje?

Aquí por primera vez en mi vida tuve la posibilidad de trabajar con un presupuesto mucho más holgado en comparación a mis otras cintas, un cast increíble particularmente liderado por un gran actor como lo es Eduardo Noriega y también tuve la oportunidad de modificar el guion a mis intereses particulares, alejándome un poco del mundo tradicional de posesiones y exorcismos que generalmente se establece dentro del mundo católico que es la tradición que tiene este cine de género y así poder llevarlo a un lado lovecraftniano, que es para mí mucho más interesante y rico de lo que es la tradición religiosa. He buscado alejarnos de esos mundos a los que estamos acostumbrados en el cine de terror y poder plantearlo desde otras perspectiva abordando esta otra nueva realidad.

Mencionas que este ha sido el mayor presupuesto con el que has trabajado ¿De cuánto fue tu presupuesto y como obtuviste el financiamiento?

El presupuesto fue de 16 millones de pesos aproximadamente, otorgado en parte por EFICINE y tuvimos un socio que fue Corazón Films que hicieron una aportación como coproductores y además apoyaron con la distribución, esa fue la consolidación del presupuesto y por primera vez pude trabajar con una cantidad grande y tener 5 semanas de rodaje, además de que hubo muchas personas que se asociaron al proyecto, por ejemplo Eduardo Noriega es también coproductor, La Posta que es la casa de efectos y así de forma estratégica pudimos levantar este proyecto.

Una de tus características es que casi toda tu filmografía es del género de terror ¿Por qué dedicarte en especial a este género?

Todo inicia en mi infancia y el gusto que siempre tuve por el terror como espectador y como lector, desde muy chico me sentí atraído por el miedo como emoción y una vez que crecí debuté como director en un dramedy, pero siempre me intereso la posibilidad de abordar temas complejos a través de este género, como lo dice Guillermo del Toro “la fantasía nos abre un panorama de oportunidades para hablar de temas complejos”. Este tipo de cine es una posibilidad de tocar ciertos temas haciéndolo más accesible al público a partir de la emoción más fuerte que existe,  el miedo, que es el mayor motivante que tenemos como especie por supervivencia y al mismo tiempo es una emoción que tiene un derroche de energía y adrenalina que nos lleva a disfrutarlo mucho cuando lo vemos en la pantalla grande. Es toda esa combinación de elementos la que me lleva a elegirlo a la hora de hacer historias, quiero seguir experimentando otros subgéneros dentro del mismo, siendo el thriller mi punto de partida y experimentar combinándolo con drama o ciencia ficción, que son algunos que me faltan explorar.

Y ha todo esto ¿A qué le tiene miedo Diego Cohen?

(Comienza a reír) En verdad le tengo miedo a muchos cosas, pero creo que mi mayor miedo es la frustración, la imposibilidad de hacer lo que quiero hacer, quedarme estático, pero ya hablando de cosas más terrenales, me da mucho miedo la policía, en México me da miedo la policía, tengo una ventaja en cuanto al mundo que rodea en general la idea del terror como lo es el ámbito paranormal, esa ventaja es que yo tengo un pensamiento meramente científico y eso me da la oportunidad de jugar con estas mitologías, tener esa libertad que tal vez un creyente no va a tener, tengo esa ventaja y por lo tanto no me asustan esas cosas, me gusta abordar los temas de terror más por un lado social, ya que vivimos en un país en que nos da miedo salir, la inseguridad y al estado mismo.

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Otra característica en tu filmografía es que los guiones de las cintas que diriges no son tuyos ¿Por qué elegir estos guiones ya escritos o bien tienes planes de escribir un guion personal?

A pesar de que en dos películas mías dice el nombre de otra persona, yo escribí esos guiones, los reescribí a partir de algo que ya existía y en realidad es un trabajo de readaptación que yo creo que tenemos que hacer todos los directores, por que originalmente solo hay un autor de la obra cinematográfica que es el director, a pesar de que no tengo esos créditos por que es algo que no importa, siempre he adaptado los guiones adecuándolos a mi ideología, idiosincrasia y demás, yo hago esas aportaciones personales de manera autoral y libre en base a los acuerdos que se tienen con los escritores convirtiendo los textos en míos.

¿Trabajas con asesoría del autor original?

Nunca he trabajado con el escritor de cerca, yo adquiero la obra y la reescribo sin consultar a nadie, todo lo transmuto. Esta última película que hice en República Dominicana fue igual, trabajé con un guion ya escrito e hice algo totalmente diferente a lo que ya estaba, hago mi adaptación, por eso considero que los guiones en realidad son míos, yo los reinterpreto y modifico por que no me gusta trabajar con las ideas ajenas o expresar las ideas de alguien más.

¿Por qué no te gusta trabajar con el material original?

El cine es una obra de arte, un medio de comunicación, eses es mi objetivo como cineasta, expresar mis ideas personales y no las de alguien más, esa es mi razón de ser.

¿Cuál es la diferencia entre la marca del demonio y tus demás films?

Aquí aprendí a usar los recursos, eso me abre un nuevo panorama como cineasta, tener tiempo para filmar, contar con más locaciones, el cast, el crew, nunca había tenido uno tan completo. Lo que más diferencio a La Marca de otras de mis producciones fueron las posibilidades de mejorar y valorar el tiempo que se tiene.

Platícame de la banda sonora de tu film, es muy diferente a lo que se escucha en una película tradicional.

Tuve la oportunidad de trabajar por primera vez con un compositor extranjero, la construcción del score fue muy interesante porque encontré por internet a un músico especializado en hacer composiciones  para los libros de Lovecraft, música orquestada y demás como se escucha en la película, eso fue una posibilidad que no había tenido antes, contactar con este músico irlandés que se llama Graham Plowman. Fue maravilloso buscar a la persona más adecuada para realizar el proyecto.

Tocar temas complejos como lo son las cosas lovecraftnianas, siempre generan problemas o retos ¿Generó algo de esto en ti?

En realidad no fueron problemas. Me significó un reto por la complejidad y extensión de la literatura y los mundos construidos por Lovecarft. Por un lado traté de simplificarlos, no me dedicó mucho en la película a explicarlos, ese no es el sentido de ella, no había que hacerlo, solo convivir con ellos. El gran trabajo de la película es ese, simplificarlo, aunque detrás hay toda una construcción para contarlo de esa manera, hay una construcción extensa de la mitología pero traídos a un mundo que todos podemos entender,  el reto fue poderme mover dentro de esta mitología y contarlo para que fuera entendido. Lovecraft es muy complejo y yo solo toqué la puntita, fue muy rica en ese sentido, tocar estos mundos poco explorados.

Dices tener un cast increíble y se ha notado el nivel actoral de este elenco al de algunos otros en tus cintas pasadas ¿Cuál es tu opinión respecto a este nuevo cast?

Empezando por quien corona la cereza del pastel, Eduardo Noriega, fue una aportación directa de Mónica Gorbea, ella fue la que le mandó el proyecto y lo trajo. Trabajar con un actor de esa talla y experiencia, quien de entrada empezó su carrera con Amenábar haciendo dos películas sumamente importantes no solo para el cine español si no para el mundo, después con Guillermo del Toro que eso para mi en particular ya tiene un significado muy grande, el poder haber compartido este encuentro en común con Guillermo del Toro, a quien no tengo el gusto de conocer, pero obviamente moriría por esa oportunidad y me encantaría que pudiera ver la película. Pero regresando con Eduardo, trabajar con el fue una experiencia increíblemente enriquecedora, un actor con un profesionalismo, una disciplina y una entrega absoluta, es muy refrescante trabajar con un actor de ese nivel, que tiene esa experiencia, tanta entrega, disposición y pasión por lo que hace, simplemente fue maravilloso. Después vienen varios descubrimientos, como el de Eivaut Rischen que en realidad yo no lo conocía, se presentó a un casting, él inició su carrera a partir de Run Coyote Run, elegirlo fue muy conveniente por que el personaje tenía este peculiar pasado, tenía que hablar alemán, además el actor es holandés y habla alemán bajo un poco, pero esta muy familiarizado con la historia, la química que tuvo con Eduardo se refleja mucho en la pantalla, trabajaron como padre e hijo. Luego Arantza Ruiz, ya había tenido la oportunidad de trabajar con ella en dos ocasiones, una como director y otra como productor, es un talento innegable, una persona que no puede parar, ya teníamos experiencia previa y confianza ya desarrollada, eso nos facilita mucho las cosas. Otro descubrimiento fue Nicolasa Ortíz Monasterio, quien está en los inicios de su carrera, solo traía Sueños en otro idioma donde actúa espectacular, ella fue una sorpresa, un aire fresco tremendo y la química con Arantza mostraba la empatía real entre hermanas, fue un gran acierto escogerlas a ellas dos juntas. Después tenemos a Lumi Cavazos y Omar Fierro, quienes ya son unas leyendas, dos personas que han estado en el cine mucho tiempo y es increíble trabajar con gente que lo sabe todo. Recuerdo que cuando era niño vi a Lumi trabajar en Como agua para chocolate y quede maravillado, trabajar con ella 20 años después es muy gratificante. Esos son algunos de mis actores, en esta cinta pude tener muchos más gracias a los recursos.

¿Por qué recomendarías ver la Marca del demonio al público?

La marca del demonio es una película sumamente entretenida e interesante porque esta contada desde un punto de vista distinto y aborda una mitología a la que no estamos acostumbrados, tiene actuaciones espectaculares y situaciones divertidas para el espectador en relación al miedo, hay una exploración del susto y generación del miedo y tensión, es una película hecha con corazón.

Acabas de filmar una película en República Dominicana ¿Puedes contarnos algo de ella y tus planes a futuro?

Me contactaron de 11 a 11 los hermanos Carmona y me invitaron a hacer esta película en República Dominicana, la historia que al final yo escribí es de vampiros. En ella una familia viaja a este país por dos motivos, uno encontrarse con el abuelo materno, el otro es que el niño con este viaje recupere confianza para enfrentar sus miedos, ya que es de familia adinerada e hijo único, un adolescente que sufre bullyng de manera extrema en la escuela. Llegan a una casa en donde se enteran que hay una niña vampiro que los acecha y a grandes rasgos esa es la historia del film. Tiene una construcción sumamente compleja dentro de los temas, es una película que filme en 3 semanas con presupuesto local totalmente dominicano, traje dos actores mexicanos, tiene un drama muy intenso y una carga emocional muy importante. Es una cinta de vampiros y terror protagonizada por Matías del Castillo, quien es un niño actor que a participado en varias películas, ha trabajado con Rigoberto en Kilómetro 2, Diablero, entre otras. Sus padres son interpretados por Rigoberto Guzmán y Sofia Verdejo. En cuanto al abuelo materno, es un actor dominicano, quien en realidad no es actor pero si una figura importante y relevante en su cultura, se llama Freddy Ginebra. La pequeña vampiro es una niña dominicana quien aquí tiene  su primer papel, se llama María José y este es su debut. Espero tenerla terminada para estrenarse en el  festival de Toronto, esas son mis expectativas.

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FICM 2019: ‘Sanctorum’ entre la realidad y la fantasía de la violencia en México

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Fotos cortesía Calouma

El Festival Internacional de Cine de Morelia presenta como parte de su selección oficial la película “Sanctorum”, cuyo guion y dirección estuvieron a cargo de Joshua Gil. La cinta toma lugar en un México en el que la violencia, la guerra entre el ejército y el narcotráfico, así como la desaparición de personas son  parte del día a día de un pueblo indígena. Y en medio de esta violencia un niño pierde a su madre, el pequeño sin embargo no pierde la esperanza de encontrarla con ayuda de las fuerzas de la naturaleza.

“Sanctorum” se desarrolla entra la realidad y la ficción fantástica, por un lado está la historia la historia de la violencia constante en nuestro país, con esta guerra que parece no tener fin y la cual ha cobrado la vida de muchas personas, un tema con el que lamentablemente cualquier mexicano ya se encuentra familiarizado. Y, por otro lado está la historia fantástica y esperanzadora de un niño quien desesperado por encontrar a su madre se adentra a un bosque en donde cosas mágicas e inexplicables suceden.

“Sanctorum” es el segundo largometraje de Joshua Gil, y la primer película mexicana  que cierra uno de los festivales de cine más importantes en la industria, el Festival Internacional de Cine de Venecia. También participó en 3 Puertos Cine (2016), Impulso Morelia (2016) donde obtuvo una beca del Tribeca Film Institute Rotterdam Lab (2017), Br Lab (2018), BloodWindow (2018), Impulso Morelia (2018) donde obtuvo el premio SplendorOmniaprize, Qumra (2019).

En YouRocket tuvimos la oportunidad de platicar con Joshua Gil sobre esta película que tiene su primera proyección en suelo mexicano  en el FICM 2019.

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Primero que nada, cuéntanos a grandes rasgos de qué trata “Sanctorum”.

“Sanctorum” es la historia de un niño que pierde a su madre víctima del narcotráfico. Un día ella desaparece y la abuela le trata de explicar al niño qué es lo que sucede con ella, pero ante la imposibilidad de contarle qué es exactamente lo que sucedió con ella le explica al niño que para que vuelva tiene que implorarle a las fuerzas de la naturaleza para tratar de que suceda un milagro, el niño lo toma literal. Un día en medio del bosque, va a  evocar por la madre y la naturaleza responde a ese llamado y sucede algo inesperado.

Cuando comienzas a ver “Sanctorum” da la impresión de estar viendo una historia real por el contexto de la misma historia, pero luego vienen estás escenas fantástica que te hacen recordar que al final no deja de ser una película. ¿Cómo surgió la idea de esta historia que mezcla un poco la realidad con la fantasía?

Surge porque leí un artículo hace tiempo del New York Times que hablaba justamente de una generación de niños que estaban siendo criados dentro de campos de mariguana y de amapola. Entonces los niños cosechaban y sus mamás estando ahí con ellos, si tenían que tomar clases ahí las tomaban Era como una comunidad ahí. Eso me llamó la atención.

Le pedí a unos amigos reporteros que si sabían de eso o de algún lugar en dónde estuviera pasando eso que me avisaran, y tuve la oportunidad de acercarme y verlo con mis propios ojos, me pareció fantástico, dije: No puedo creer lo que está pasando acá, prácticamente apocalíptico el hecho de tener algo así.

Entonces, me generó un shock muy fuerte y, a partir de eso, empecé a plantearme la posibilidad de hacer una película, pero no quería que fuera un documental, porque un documental iba a ser muy evidente en qué iba a terminar, entonces lo que hice más bien fue tratar de hacer un híbrido entre este documental y algo de ficción que terminó siendo más fantasía que otra cosa.

¿Qué fue lo más complicado de escribir esta historia?

En realidad escribí muy poco, solamente escribí como 20 páginas de guion porque yo regularmente dirijo más conforme a mi intuición me va dando. Tomo las 20 páginas de guion, me voy a filmar y voy inventando escenas con mis actores, con los lugares, voy como alimentando la historia.

Por eso es importante que la historia sea nuclearmente buena o por lo menos sólida para que puedas seguir vertientes y te siga dando ideas y poniéndole ramas al árbol, por así decirlo.

Lo que si te puedo decir es que fue complicado hacerla, fueron muchas cosas, pero trabajar con niños, trabajar con animales, trabajar con efectos especiales, el clima donde filmamos, conseguir el dinero, todo eso lo pongo dentro del grupo de problemas.

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En “Sanctorum” vemos varios escenarios naturales, ¿en dónde grabaste y cuáles fueron las dificultades de usar estos lugares?

Se filmó en varias partes. Hay una parte que es medio secreta, que es donde fueron los campos de mariguana, la otra gran parte se filmó en la Sierra Norte de Oaxaca, que es una parte comprendida, una Sierra Mixe que se llama Tlahuitoltepec, y otra parte que es estos paisajes que se filmaron en Bolivia.

Para hacer esta película no contrataste actores, más bien fueron militares reales, gente que sí tenía que ver con el narcotráfico, ¿tuviste algún conflicto o en determinado momento te dio miedo trabajar con ellos?

Nunca sentí miedo, la realidad es que todo el trabajo de investigación y de conseguir los permisos lo hice yo. Entonces yo conseguí el permiso para entrar y filmar en los campos, pero busqué mucho antes de decidir meterme a uno, dije: éste me late, éste no me late, éste está chido. Entonces ahí caí, y la gente con la que trabajé ahí era gente chida, gente que aceptó nuestra presencia con sus reglas y que de alguna manera decidió también aparecer ahí. Y nunca me sentí como amenazado ni mucho menos, pero sí había cierto nervio de terminarla lo antes posible e irse, eso sí era de ‘mañana nos vamos porque nos vamos, hay que salirse de acá’, porque sí era una situación un poco intensa de estar trabajando con gente armada todo el tiempo. Llegábamos a los lugares  donde filmábamos con los ojos vendados, entonces si querías salir de ahí no había manera porque no sabías para dónde correr, nos llevaban y nos traían todo el tiempo.

Pero fuera de eso realmente no hubo ningún temor. Tal vez el temor que tuve en algún momento  fue el de no terminar la película por el clima que teníamos todo el tiempo, fuera de eso todo bien.

¿A la gente que decidió aparecer les explicaste de qué trataba la película?

Claro,   todos todos todos, principalmente la gente que tenía que ver con los cultivos sabía perfectamente de qué iba a ir la película, cuál iba a ser su participación, y ellos tenían la libertad de aparecer con su rostro descubierto, nosotros no teníamos problema con eso.

Creo que unas grandes virtudes por las cuales pudimos filmar la película fue justamente porque nosotros siempre fuimos muy honestos con todos y también con las personas que trabajaron en la otra parte de la película que es la parte que ya no tiene tanto que ver con los cultivos; los campesinos y los militares.  Todo esto que también fue explicarles de qué trataba y qué es lo que habíamos hecho desde un principio, porque era complicado para ellos porque ese no era tanto su contexto, el bosque contextualmente no tenía nada que ver con los campos.

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¿Por qué no valerse de actores ya reconocidos?

A pesar de que tuve la oportunidad de haber elegido actores, yo proferí trabajar con gente que trabajara sus emociones de manera más real, y que mejor manera que hacerlo que con gente que realmente trabaja en un capo de mariguana, que realmente sabe qué es haber sido perseguido por el ejército o vivir en medio de un conflicto armado entre narcotraficantes o entre comunidades   indígenas. Para mí esos testimonios eran muy valiosos porque yo también quería que la película fuera descubriendo cosas reales, yo no quería decirla a un actor ‘ahora hazle como qué lloras porque te va a venir a matar el militar’, no me parecía  a mí que fuera nada interesante, prefería llegar a eso mismo desde el conocimiento de una persona que ´si había pasado por esto.

A la hora de encontrar los lugares también aparecieron las personas las personas eran de ahí.

Creo que las reacciones son evidentes, por ejemplo cuando llegan los militares la gente se agacha en automático  y sientes ese miedo.

Sí, porque son como actitudes ya predeterminadas o acciones ya predispuestas a lo que están viviendo.

Lo que me llama la atención es la manera en que presentas la violencia que se vive, está ahí pero en la tomas se ve muy lejano, ¿por qué lo hiciste de esta manera?

Siento que nosotros como mexicanos somos ya muy cercanos a la violencia que una película que ya de por sí tenía que tocar el tema del narcotráfico, no quería que fuera una película que también fuera así como explicita y gráfica con la violencia y vieran la sangre, no quería que fuera eso, pensé que era un estilo ya bastante socorrido. Obviamente tenía que estar presente la violencia pero tenía que ser más sutil, más inteligente y probablemente, más elegante en ese sentido.

En “Sanctorum” también haces un rescate de las lenguas…

Sí, era algo muy importante para mí que al descubrir los espacios y las personas ellas se sentían más cómodas trabajando su idioma original. Para mí era o que ellas hablaran español para que yo pudiera entenderlas o más bien yo tener que entender y acoplarme a lo que ellos estaban haciendo, e hice lo segundo, fue lo mejor, fue lo más rápido, fue lo orgánico, por así decirlo. Y me di cuenta que ellos eran muy buenos en lo que estaban haciendo, a la hora que sentían que estaban  en su universo o hablando su idioma se sentían protegidos, se sentían más naturales.

Entonces fue cuestión de un par de ensayos en los que decidí.

Entonces fue una decisión que tomaste sobre la marcha.

Sí, sobre la marcha, me pareció muy muy orgánico, porque ellos tenían la capacidad de hacerlo en español, pero me gustó más de la otra manera porque aparte la lengua apoya bastante sonoramente hablando con su fuerza a lo que está pasando en la película.

“Sanctorum” llegó al Festival Internacional de Cine de Venecia, ¿cómo te sentiste al ser la primera película mexicana que se presenta durante la clausura?

 Estar en ese festival fue una gran oportunidad, es un festival lleno de oferta cinematográfica de todas partes. Nosotros estuvimos en una sección muy linda que es La semana de la crítica, una sección muy exigente, nuestras proyecciones eran en salas muy grandes y afortunadamente todas llenas, la gente trataba de entender si era una película que estaba basada en la realidad o qué tanto estaba confeccionada o si esto provenía de un universo de los mixes nada más, si nada más los mixes pensaban así. En fin, fue una experiencia muy linda, nosotros tuvimos la oportunidad de vender la película allá a distribución internacional y recibimos invitaciones a otros festivales.

Me resulta curioso esto que comentas que trataban de saber qué tanto se basaba en la realidad, pues aquí en México ya estamos tristemente familiarizados con este tipo de noticias que vemos en televisión o internet, ¿cuál fue la percepción que tuvieron allá?

Lo vieron como una amalgama de cosas en las cuales no sabían interpretar, por ejemplo la matanza y la quema de las personas me decían, ‘¿cómo es posible que suceda esto con un grupo de personas así de la nada?’, pues sí sucede y no solamente una vez sucede frecuentemente. El tema de la policía tratando de encubrir a estos personajes en lugar de perseguirlos. Les parecía que era como una cosa muy poco común y pues sí, es poco común en su país porque para nosotros que vivimos aquí pues esa es la situación. Pero también había un entendimiento muy fuerte de que así es la situación en América Latina y que sucede mucho la relación de la autoridad o la justicia con la sociedad. A partir de eso entendieron la película de una manera muy linda, estaban encantados con este misticismo mexicano que no sabían exactamente bien de dónde provenía y que creo es una cualidad de la película.

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Presentas “Sanctorum” como parte de la Selección Oficial en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

Me siento muy contento, creemos que va a ser una proyección muy especial porque seguramente van a  estar desde nuestras familias, actores, el crew y es la primera función de la película en México, hay mucha gente que la quiere ver y hay una expectativa fuerte. Creo que es una gran oportunidad de dar a conocer la película y de iniciar un recorrido por festivales por México y seguir su recorrido por festivales internacionales.

Finalmente, algún mensaje que quieras dejarle a nuestros lectores de YouRocket.

Es un gusto para mí poder invitarlos e invitarlas para que vayan a ver la película ya sea en una proyección especial, el sonido sin duda será algo muy especial, una sala 7.1 especialmente para la película. No hay mejor lugar para ver el cine que el cine y que mejor que el Festival de Cine de Morelia

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